作者：鮑永玲

1956年，在美國達特矛斯會議上正式出現“人工智能”（AI）一詞。人工智能之父麥卡錫認為，人工智能與哲學的關系相較于科學與哲學的關系要更密切，因為它需要認識論的深度介入。

從對“智能”的定義來看，AI必然與美學相聯系。它不僅要模擬人類的抽象推理和邏輯能力，還要模擬情感、想象、感性、創造等與形象、靈感有關的能力。能夠理解和創造藝術的人工智能，代表技術與機器的重大突破。

(資料圖)

事實上，在ChatGPT橫空出世之前不久，AI繪畫已引人關注。

2018年，在佳士得拍賣會上，《埃德蒙·貝拉米的肖像》以43.25萬美元成交。它是人工智能學習了1.5萬張從14世紀到20世紀的肖像畫之后自動生成的作品。

2022年，在美國新興數字藝術家競賽中獲得“數字藝術”類別一等獎的《太空歌劇院》，更讓AI繪畫異軍突起。這幅畫由一位游戲設計師使用AI創作工具，花費近一個月的時間不斷修改指令而完成。

競賽評委認為，評獎準則是要找出“懂得講述故事以及有靈魂的作品”，而“這幅作品確實做到了”。一時間，“藝術已經死了，人工智能贏了，人類輸了”的言論，把AI繪畫推上了風口浪尖。

這里的問題是，機器創造的東西能被視為藝術嗎？延伸而論，被康德視為人類獨有的審美判斷力，是否已為人工智能所掌握？人工智能能否像人類一樣判斷物體的美丑程度，并具備獨特的藝術創造力？

一般認為，創造和享受藝術是區別人類與其他生物的重要標志之一。基于當下的限定條件，通過算法進行模仿是AI繪畫的核心。這些完成品的構圖、配色和細節可能極其精致，并在審美上與人類的經驗、知識高度一致。但從整個創作過程來看，其根本來源并不能體現人類在藝術創作里的情感追求，與傳統藝術創作理念也大相徑庭。

AI繪畫的出現和普及，讓普通人擁有了通過指令而生成美妙畫作的能力，“使不可見成為可見”。但不少批評者認為，AI繪畫作品只是一種機械式的復制組合，本質是模仿，而不具有創造性和想象力，更缺乏靈感和個性。真正的藝術作品，背后是藝術家獨特情感、生命體驗乃至內在思想世界的表達。

由此，歐美學者進一步提出人工智能必須具備以下幾個特征才能成為“藝術家”：

一是學習能力，即系統能夠根據新刺激來提高技能并調整藝術表現力；

二是擁有具有個性的美學標準，能夠評估自己的藝術創作；

三是創造力，不應對現有藝術品進行小的改動，而應創造一些全新的東西；

四是公平性，系統不應受人類意志的影響，而應該與人類或人工代理在同等水平上相互作用；

五是社交性，將藝術生產作為靈感來源和背景。

由此觀之，眼下的AI繪畫主要學習人類在對稱、色彩、形狀等方面的偏好，根據預設的規則和參數生成作品。對它來說，美只是規則歸納的數學模型、計算結果。

正如ChatGPT的自白所言：“作為一個AI，我只是一種程序，無法像人類那樣體驗審美，也沒有真正的審美能力。然而，我可以處理和生成各種形式的文本、圖像和音頻，這可能會在一定程度上受到設計和算法的美學影響。但是，這種影響僅僅是基于預設的規則和規范，缺乏像人類那樣獨立創造和體驗美的能力。”

1839年，照相機的問世給手工繪畫帶來了巨大沖擊，藝術作品定義的界限也一度引發爭議。法國藝術家德拉洛奇亦曾高呼：“繪畫已死！”但如今，攝影作品是藝術品的觀念已深入人心。AI繪畫的前景如何，讓我們拭目以待。

正如馬克思在討論人和科技的關系時把“現實的人”作為邏輯起點那樣，人工智能展示了人類的本質力量，為人從“單向度”里解放提供了可能性。歸根結底，技術改進的基本出發點和應用重點理應是以民為本，幫助人類創造更美好的生活。

（作者為上海社會科學院哲學所研究員）

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